© belinka - Fotolia.com

Individualität gehört wohl zu den beliebtesten Wörtern in der Modewelt. Wer etwas auf sich hält, der gibt es sich nicht mit Kleidung “von der Stange” zufrieden. Ausgefallen, schick und etwas ganz besonderes muss es für viele sein. Was früher nur den Designern angesagter Mode-Labels vorbehalten war, kann heute so gut wie jeder selber machen: Kleidung selbst entwerfen und gestalten. Wer weniger Geschick und Geduld beim Entwerfen hat, kann auch auf Basisprodukte zurückgreifen und diese in speziellen Läden oder über das Internet selbst designen und etwas Einmaliges daraus machen. Dabei sind selbst gestaltete T-Shirts nur der Anfang der Individualität.

Heutzutage gibt kaum ein Kleidungsstück, dass man nicht den eigenen Wünschen anpassen kann. Vor allem Caps liegen immer noch voll im Trend. Nachdem die Geschichte der Marke “Ed Hardy”, die mit bunt gestaltete Caps für Aufsehen sorgte, bekannt wurde, sind die Möglichkeiten enorm gewachsen. Ob im Online-Shop oder Ladengeschäft, Inspiration für aktuelle Trends, Motive und Modelle findet man eigentlich in jedem Caps Shop.

Bei der Motivwahl sind kaum Grenzen gesetzt. So lassen sich lustige Sprüche genauso gut auf Caps bringen, wie amüsante Bilder oder abstrakte Gebilde. Spezielle Internet-Portale haben spezielle Software, die für die Gestaltung genutzt werden kann, um das Design der Größe und Form des Caps anzupassen. Hat man sich für ein Motiv entschieden oder sich eines selbst gestaltet, sind auch die Möglichkeiten der Umsetzung vielseitig. Ob man nun das Cap gleich beim Online-Shop bestellt, wo man es gestaltet hat oder ob man dafür in ein entsprechendes Geschäft geht, wo man sich gleich vor Ort über die Qualität ein Eindruck verschaffen kann. Für zu Hause kann Transferdruckpapier genutzt werden. Motiv am Computer ausdrucken und auf das Kleidungsstück bügeln. Diese Variante ist aber aufgrund der Cap-Beschaffenheit eher für T-Shirts geeignet.

© pictureguy32 - Fotolia.com

Viele Verlage beklagen sich heutzutage über dauerhafte sinkenden Auflagen. Doch es gibt manche Zeitschriften, denen es gut geht. Von einer Auflagenmisere haben sie gar nichts mitbekommen. Scheinbar haben Leser ein starkes und ungebrochenes Interesse an Magazinen, die das idyllische Leben auf dem Land zelebrieren. Denn solche Zeitschriften erleben einen seltenen Boom an den Kiosken. Heute gibt es inzwischen zahlreiche Zeitschriften, in denen es um den rustikalen Lifestyle geht.

Eine dieser Zeitschriften heißt Landlust. Im ersten Quartal 2012 hat sie es geschafft, über eine Million Exemplare zu verkaufen. Damit gehört sie zu den zehn erfolgreichsten Publikumszeitschriften, die momentan in Deutschland verlegt werden. Wie der Verband Deutscher Zeitschriftenverleger mitteilte, wurden pro Ausgabe durchschnittlich 1.010.873 Hefte verkauft. Im Vergleich zum Vorjahreszeitraum entspricht das einem Zuwachs von mehr als 25 Prozent. Nur das Springer-Blatt “Bild am Sonntag” sowie einige Programmzeitschriften haben bessere Verkaufszahlen erzielt als das beliebte Landmagazin.

Die Zeitschrift “Landlust” erscheint alle zwei Monate. Seit ihrem Verkaufsstart im Jahr 2005 hat der Verlag immer wieder Rekordauflagen vermeldet. Inzwischen haben auch andere große Verlage großes Potential in dieser Sparte gesehen und bringen selbst ähnliche Magazine heraus. Die WAZ-Gruppe zum Beispiel veröffentlicht inzwischen “Landidee”, das Haus Burda das Magazin “Mein schönes Land”. Auch wenn sie von den Auflagen ihres erfolgreichen Vorbildes noch weit entfernt sind, hoffen die Verlage auf den selben Erfolg.

Doch was ist es, was solche Blätter so beliebt macht? Scheinbar haben es solche Zeitschriften geschafft, gerade in der urbanisierten Gesellschaft das Bedürfnis des Publikums nach Heimeligkeit zu befriedigen. Viele suchen hier nach Einrichtungsideen. Andere wiederum suchen konsequent nach einem günstigen, altem Bauernhaus für die Familie. Weitläufige Gartenfläche inklusive. Natürlich finden sich in den Zeitschriften auch viele Tipps, wie man seinen Bauernhof gut und günstig umgestalten kann.

© konradbak - Fotolia.com

Als großer Theaterfreund und Journalist hatte Stoker Umgang mit Größen wie Arthur Conan Doyle, Henry Irving oder aber Oscar Wild  – wenn auch mit letzterem  eher in  weniger freundschaftlichem Umgang. Seine Inspiration zum Drakula-Mythos fand der Ire in einem Gespräch mit einem ungarischen Professor, der ihm von Fürsten Vlad III. Draculea berichtete. Die erste Auflage wurde 1987 herausgegeben, und wurde 1908 auch ins Deutsche übertragen. Den wirklichen Erfolg seiner Geschichte sollte Stoker aber nicht mehr erleben – 1912 verschied er unter ungeklärten Umständen.

Erst die filmischen Umsetzungen des Stoffes Jahre später, 1922, hauchte der Idee neues Leben ein.  Der bis heute hin als Klassiker geltende Schwarzweissfilm “Nosferatu – Eine Symphonie des Grauens” liefert die Referenz für viele Neuadaptionen wie “Dracula” mit Kultschauspieler Bela Lugosi und  der Neauflauge von Murnaus Ur-Nosferatu durch Werner Herzog im Jahr 1979. Erst 1992 gelang mit “Bram Stoker’s Dracula” eine direkter Verweis auf den irischen Autor ins Kino und erntete gebührende Anerkennung bei Publikum und Kritikern. Die Verfilmung von Francis Ford Coppola mit Starbesetzung um Gary Oldman, Winona Ryder, Keanu Reeves und Anthony Hopkins erhielt vier Oscars für Kostümdesign, Make-Up und Tonschnitt. 

Durch Film und Literatur ist Dracula zum unsterblichen Bösen geworden, das für uns heute feste Vorstellung ist. Särge, Lichtscheu, Verwandlungen und Bluttrinken sind heute fester Bestandteil moderner Vampirfilme wie Twilight oder dem schwedischen “So Finster Die Nacht”, die in der heutigen Kultur großen Anklang finden. 

Anlässlich des 100. Todestages von Bram Stoker wird der Kult-Roman nun neu aufgelegt.

panthermedia.net/Ursula Jacobs

Eine starke Frau und Autorin, die trotz zwei so harter Schicksalsschläge nicht verstummt: Erst verstarb ihr Mann und sie verarbeitete das Geschehen in einem Buch. Dann starb auch ihre Tochter, was der Anlass zu einem weiteren Buch war. Dort stellt Joan Didion fest, “Jetzt war nur noch einer übrig”, und meint damit sich selbst.

Sie lebt in einer kleinen Wohnung auf der Upper East Side in New York, unweit vom Central Park. Eine schmale Frau, die von einem kräftigen Windstoß umgestoßen werden könnte, so scheint es zumindest. 2003 starb ihr Mann, der Schriftsteller John Gregory Dunne, an einem Herzinfarkt auf genau diesem weißen Sofa vor dem Kamin, auf dem die Autorin auch noch heute schreibt. 2005 verstarb dann ihre einzige Tochter mit 39 Jahren nach einer Reihe von Krankenhausaufenthalten.

Die 77-jährige Frau schildert in ihrem neuem Roman “Blaue Stunden” eindrücklich, beklemmend und authentisch vom Schmerz, die eigene Familie verloren zu haben. Der Roman erscheint gerade zum ersten Mal auf Deutsch und ist zum großen Teil auto-biografisch. Immer wieder entdeckt Didion eine alte Jacke ihrer Tochter oder einen Stift ihres Mannes, der vor Schmerz quasi schon trieft. Die Vergangenheit ist die treibende Kraft ihrer Erzählungen – und auch ihres Lebens. Kraft, sich von den vielen traurigen Andenken zu trennen, hat sie nämlich nicht.

Neben Tom Wolfe, Norman Mailer und Truman Capote gilt Diodion als Ikone des amerikanischen New Journalism. Die Literaturgattung ist eine besonder subjektive und literarische Art des Berichtens. Diodion war einst bei der Vogue angestellt und politisch sehr aktiv. Nur wenigen Autoren gelingt es, so beklemmend und authentisch ihre eigenen Gefühle einzufangen, wie Diodion im “Jahr des magischen Denkens”, das 2005 erschien und sich mit dem Verlust ihres Mannes auseinandersetzte.

panthermedia.net/Ursula Jacobs

Eine starke Frau und Autorin, die trotz zwei so harter Schicksalsschläge nicht verstummt: Erst verstarb ihr Mann und sie verarbeitete das Geschehen in einem Buch. Dann starb auch ihre Tochter, was der Anlass zu einem weiteren Buch war. Dort stellt Joan Didion fest, “Jetzt war nur noch einer übrig”, und meint damit sich selbst.

Sie lebt in einer kleinen Wohnung auf der Upper East Side in New York, unweit vom Central Park. Eine schmale Frau, die von einem kräftigen Windstoß umgestoßen werden könnte, so scheint es zumindest. 2003 starb ihr Mann, der Schriftsteller John Gregory Dunne, an einem Herzinfarkt auf genau diesem weißen Sofa vor dem Kamin, auf dem die Autorin auch noch heute schreibt. 2005 verstarb dann ihre einzige Tochter mit 39 Jahren nach einer Reihe von Krankenhausaufenthalten.

Die 77-jährige Frau schildert in ihrem neuem Roman “Blaue Stunden” eindrücklich, beklemmend und authentisch vom Schmerz, die eigene Familie verloren zu haben. Der Roman erscheint gerade zum ersten Mal auf Deutsch und ist zum großen Teil auto-biografisch. Immer wieder entdeckt Didion eine alte Jacke ihrer Tochter oder einen Stift ihres Mannes, der vor Schmerz quasi schon trieft. Die Vergangenheit ist die treibende Kraft ihrer Erzählungen – und auch ihres Lebens. Kraft, sich von den vielen traurigen Andenken zu trennen, hat sie nämlich nicht.

Neben Tom Wolfe, Norman Mailer und Truman Capote gilt Diodion als Ikone des amerikanischen New Journalism. Die Literaturgattung ist eine besonder subjektive und literarische Art des Berichtens. Diodion war einst bei der Vogue angestellt und politisch sehr aktiv. Nur wenigen Autoren gelingt es, so beklemmend und authentisch ihre eigenen Gefühle einzufangen, wie Diodion im “Jahr des magischen Denkens”, das 2005 erschien und sich mit dem Verlust ihres Mannes auseinandersetzte.

Matrix © ivan kmit - Fotolia.com

Wer kennt nicht den Film Matrix. Er ist berühmt geworden wie sonst kaum ein zweiter. Dabei geht es ganz einfach um die Frage, was die Wirklichkeit für den Menschen ausmacht und inwiefern dieses Konzept genutzt werden kann, um Wirklichkeit zu simulieren, ohne dass man einen Unterschied zwischen Wirklichkeit und gezielt organisierter Fiktion erkennen kann. Die Idee geht zurück auf das Hauptwerk des deutschen Philosophen Arthur Schopenhauer und seine Theorie von “Die Welt als Wille und Vorstellung”. Dabei geht es explizit darum, dass das, was wir als Realität wahrnehmen durch die Wahrnehmung als solche erst seine Verankerung in Raum und Zeit erhält.

Ohne uns, als dem wahrnehmenden Subjekt, könnte sich keine Existenz objektivieren, da nichts den dazu notwendigen Stimulus interpretieren würde. Ein Tisch ist dann nur ein Tisch, wenn ein Wahrnehmendes ihn sieht, fühlt, hört riecht usw. Dadurch, dass unser Verstand zusätzlich neben den Eigenschaften der Verortung auch den einer zeitlichen Verankerung initiiert, wird der Tisch existente Materie. Dieses Konzept gilt aber auch vice versa für das Wahrnehmende. Alle Informationen, die ein Objekt in uns zu einem Objekt macht, werden vermittelt über den Sinn und interpretiert, je nach seiner Natur. Der Gesichtssinn interpretiert das Bild des Tisches über eine Lichtspiegelung auf der Retina, so wie das Ohr Schallwellen auffängt und interpretiert oder aber über das Haptische ein elektrischer Reiz über Nervensynapsen der Haut weitergeleitet erst im prozessiven Gehirn seine Empfindung quasi arbiträr zugeordnet bekommt. Am Ende wird dieses Konzept nutzbar gemacht, um Reize zu simulieren und via artifiziell generierten Stimuli abstrakte Realitäten zu konstruieren, die das Wahrnehmende als absolut real empfindet. Im Grunde ist das, was das Wahrnehmende als real empfindet sogar real.

Im Film wird die philosophische Grundfrage in einen spannungsgeladenen Actionfilm umgewandelt. Spannend sind aber auch die vielen Kampfszenen von Trinity. Berühmt ist die Filmfigur auch für ihre Verfolgungsfahrt auf einer Ducati (Matrix Reloaded). Im Film handelt sich dabei nicht um eine Sporttouring-Variante, wie etwa einer Ducati ST2, sondern selbstverständlich um eine echte Supermotto-Maschine, die legendäre Ducati 996. So oder so ist Matrix ein toller Film, der viel zu bieten hat. Action und Philosophie.

Hipster © veselovfoto - Fotolia.com

Er hat gute Aussichten auf das Unwort des Jahres: Der Hipster. Der ist derzeit in aller Munde. Fragt man aber genauer, was ein Hipster eigentlich ist, merkt man, wie unreflektiert der Begriff eingesetzt wird. Ist nun alles, was hip ist, automatisch uncool? Ein kleiner Versuch.

Hipster tragen typischerweise ein auffälliges Brillengestell mit besonders smarten, meist quadratischen Gläsern à la Woody Allen, ein ärmelloses Feinripp-Unterhemd, haben locker einen Jutebeutel mit besonders schlauem Ausspruch über der Schulter, mindestens ein Produkt von Apple, einen Drei-Tage-Bart – auch wenn er oft noch nicht so aussieht – sind spindeldürr und machen sich durch hautenge Jeans und Oberteile noch dünner – Männer wie Frauen natürlich. Und: Der Hipster ist natürlich total uncool und unbeliebt, weil er einfach irgendwelchen Trends hinterläuft. Der Trend derzeit heißt: Individuell sein. Und niemand missversteht das mehr, als diese Woody Allen Kopien überall in den Metropolen auf der ganzen Welt. Hipster findet man in Berlin genauso wie in New York oder auch im letzten Kaff.

Doch so eine Definition ist gefährlich: Denn alle diese Elemente können eben auch wirklich cool und individuell sein. Woher weiß ich, dass dieser Hipster hier nur aus verfehlter Coolness diese Brille trägt, der andere Typ da aber einfach kurzsichtig ist und aus der Not eine Tugend gemacht hat? Entscheidet das Einkommen darüber, wer Hipster ist und wer nicht? In der Tat sind besonders viele Hipster weiß, verdienen nicht schlecht und sind männlich. Aber nicht ausschließlich. Damit wären wir also auch keinen Schritt weiter.

Hip ist eben, was hip ist. Und manchmal, was es eben nicht. Wann aber was und in welchem Maße – das steht in den Sternen geschrieben. Oder in irgendwelchen Modegesetzen, denen unser aller Unterbewusstsein oder sonst etwas gehorcht. Wie ist dieses Phänomen sonst zu erklären? Wie kann dasselbe einmal cool und einmal völlig Mainstream sein? Am Ende hilft nur eins: Sich selbst treu bleiben. Und wer dafür als Hipster beschimpft wird, hat es bei seinem Gegenüber mit einem Hipster zu tun. Garantiert.

Banksy © pierre33 - Fotolia.com

Das ist Archäologie, nur einmal ganz anders: Nicht auf den Spuren von Pharaoen oder den alten Römern, sondern des Street-Art-Künstlers Banksy, der sich zunehmender Popularität erfreut. Denn dieser hatte vor acht Jahren ein Bild an eine Wand des Künstlerhauses Bethanien im Szene-Viertel Berlin-Kreuzberg gesprüht, das einfach übermalt wurde. Damals nannte man Banksy schließlich noch nicht den berühmtesten Street-Art-Künstler der Welt, kaum jemand hatte überhaupt schon von ihm gehört, allenfalls jenseits des etablierten Kunst-Zirkus’ nahm man ihn war. Noch dazu entstand das Bild im Rahmen eines Sprayer-Wettbewerbs – Banksys Beitrag war nur einer von vielen. Das seinem Bild nun aber so eine verspätete Aufmerksamkeit zu Teil wird, dürfte Banksy freuen: Rund 20 Lagen Farbe mussten von zwei Restauratoren zehn Tage lang entfernt werden, um das Werk freizulegen. Das Bild zeigt fünf lebensgroße Soldaten mit Maschinengewehren, Flügeln und gelben Smiley-Gesichtern. Über ihren Köpfen erstreckt sich der Schriftzug “Every picture tells a lie!”.

Dass die Öffentlichkeit dieses Stück Street-Art nun wieder bewundern kann, ist Adrian Nabi und Brad Downey zu verdanken. Nabi kuriert die Ausstellung “Do not think!”, die derzeit im Kunsthaus Bethanien läuft und fünf berühmte Street-Art-Künstler versammelt. Brad Downey ist einer von ihnen. Er war auch schon beim gleichen Festival vor acht Jahren dabei wie Banksy – und erinnerte sich an dessen Werk. Er ließ nicht nur das Bild wiederherstellen, sonder strich den Raum rot und ließ gewisse Stücke aus dem Putz fräsen. Der Staub der Bauarbeiten ist einfach liegengelassen worden. “What lies beneath” nennt Downey seine Zeitreise. Dabei hat er weniger die offensichtliche Interpretation im Blick, sondern wagt viel eher eine harsche Kritik am Kunstmarkt: Es gehe nicht mehr um Inhalte, sondern nur noch um den ökonomischen Wert. 

© Binkski - Fotolia.com

Streetart im Museum: Die Ausstellung ‘Wallflower’.

Bei der Ausstellung Wallflower, die von Stefan Winterle in der Carhartt Gallery Wheil am Rhein, ausgerichtet wird, ist vieles anders als bei traditionellen Veranstaltungen. Die Künstler sind keinesfalls gestandene Größen der lokalen Kunstszene. Vielmehr sind sie Jäger der Nacht, Schattengestalten, die ihre Werke bis heute an die Wände europäischer Großstädte sprühen und deshalb von der Presse auch nicht abgelichtet werden dürfen. 

Ein Großteil der Werke entsteht bei “Wallflower” vor Ort. Alles soll so authentisch wie möglich wirken. Die Größen der Szenen aus Amerika und ganz Europa hat Winterle hier zusammengeführt. In der Gallerie erklingt eine Mischung aus Funk und Hip-Hop Musik. Man hat das Gefühl in die Gründerzeiten der Sprayerzeiten zurückversetzt worden zu sein. 

Auf bis zu vier Quardratmetern konnten die Sprayer sich austoben. Längst sind aus den Straßenkünstlern hippe und gefragte Künstler geworden. Über die Hälfte der Künstler hat bereits auf der Art Miami Basel ausgestellt. Nach dem Erfolg der letzen Ausstellungen, die sich alle mit der urbanen Kunst beschäftigten, hat sich die Carharrt Gallery einen guten Ruf erarbeitet. Die Künstler kamen bereitwillig, obwohl sie meist einen mehr als vollen Terminkalender besitzen. 

Die Gallerie wurde von der Sprayerlegende Sigi von Koeding alias Dare aufgebaut und erhielt 2010 nach seinem Tod eine neue Ausrichtung. Wallflowers ist nun die erste offizielle Winterausstellung seit diesem traurigen Ereignis. 

Futurismus © Cmon - Fotolia.com

Eine der wohl einflussreichsten deutschen Bands kommt nun ins Museum: Das Schaffen der vier Elektro-Pioniere von Kraftwerk kann nun virtuell in 3-D bewundert werden. Schon 1981 durchschauten die technikaffinen Jungs aus Düsseldorf die Gefahren der virtuellen Welt für Datenschutz und Privatssphäre. Das allein ist ein guter Grund, warum sich der Münchener Kunstbau zu Recht der Band widmet. Zuvor gibt die Formation drei Konzerte im alten Münchener Kongress-Saal von 1953.

Kraftwerk ist das für den Musikkosmos das, was etwa Kadisnky für die Malerei oder Fritz Lang für den Film ist: Visionäre, Pinoniere, gefangen zwischen Begeisterung und Befürchtung der neuen Technologien. Kraftwerk lassen sich sogar besser als Sci-Fi-Bildung in Musikform verstehen, als als Musiker, die sich für technische Neuerungen interessieren. Minimal Art, die Kunst am Rhein während der 60iger Jahre, Theaterräume wie die aus dem Almanach des “Blauen Reiters”, dialektische Zukunftsträumereien, Retrofuturismus: Das alles kann in einen sinnvollen Zusammenhang mit Kraftwerk gestellt werden – und es gelingt in München.

Neben der Musik war die Inszenierung der Live-Shows einer der wichtigsten Aspekte von Kraftwerk. Plasmaschirme, aufwendige Animationen, hoch künstlerische Bühnenbilder: Das alles kann in München mit 3-D-Brillen wiedererleben, fast realer, als bei einem Konzert von Kraftwerk dabei zu sein. Setzt man eine Brille auf, wird man beschossen von grünen Digitalziffern und Quellcodes. Dazu die Stimme Ralf Hütters: “Nummer. Zahlen. Handel. Leute.” In den Ecken des Raumes stehen die vier Musiker als Puppen – oder eben als Roboter, ganz, wie man will.

Die Ausstellung läuft leider nur einen Monat lang, weshalb Fans und Interessierte sich beeilen sollten. Wer auf die Schnelle kein Hotel findet, sollte sich im Internet erkundigen, dort finden sich schnell und einfach Hotelzimmer. Diese können direkt gebucht werden und sind sofort verfügbar. Viel Spaß bei der Reise zurück in die Zukunft oder vorwärts in die Vergangenheit!